La vida del artista

Una charla con Stephen Quiller

Una charla con Stephen Quiller

The Sixth in a Artist Daily Exclusive Series:

Maestros de la acuarela americana

Stephen, ¿qué puedes contarnos en general sobre ti como artista y tu forma de trabajar?

Ante todo, soy un pintor de medios acuáticos. Utilizo estos medios de forma "acuarela" pero descubro que cada uno tiene sus propias cualidades visuales y características de manejo que se suman a mi vocabulario y expresión como pintor de medios acuáticos. A lo largo de los años, he trabajado en la mayoría de los medios, incluido el grabado, pero descubro que hay una calidad espiritual al trabajar en medios acuáticos que me cautiva. En esos momentos cuando el papel está mojado y la pintura y el pincel se mueven, escucho, observo y reacciono y me convierto en parte del proceso. Por supuesto, todo esto viene con 45 años de pintura todos los días. Sin embargo, cada nuevo papel trae una nueva experiencia y descubrimiento.

¿Cómo te interesaste en la acuarela?

A principios de los años 60, tomé algunas clases nocturnas de acuarela donde aprendí a manejar un pincel y los fundamentos básicos del medio. Mi primer instructor fue Darrell "Skip" Elliot, quien luego abrió una galería en Taos, Nuevo México. Luego estudié con Thomas Curry, quien me presentó a la teoría del color. Estos dos pintores me dieron mi comienzo.

¿Quiénes fueron los artistas de la acuarela que más te influenciaron?

Desde entonces, he desarrollado una pasión por estudiar artistas e historia del arte, y ahora tengo una biblioteca sustancial de referencia. Entre los muchos pintores que me han influenciado, dos están a la vanguardia: Arthur Melville (1855-1904) y Charles Burchfield (1893-1967). Vi mi primera acuarela del pintor escocés Melville en el Victoria and Albert Museum de Londres en 1984. Tenía un enfoque muy pictórico, aplicando y levantando acuarela y luego agregando un poco de gouache translúcido y opaco. Desde entonces he estado en muchos museos británicos para estudiar sus obras. Mi interés en Burchfield es que profundizó bajo la superficie al pintar el paisaje. Pintó los sonidos, los olores, el movimiento, el viento y la energía que dan vida al sujeto. Fui testigo de mi primera exposición de Burchfield en las Galerías Kennedy de Nueva York a mediados de los 70. Este verano me invitaron a dar una charla, una demostración y una pequeña exposición de mis obras para el 50 aniversario del Centro de Arte Burchfield-Penny en Buffalo, Nueva York.

Usted ha dicho que los artistas están en su mejor momento cuando pintan lo que saben. Eres un pintor de la naturaleza. ¿Puede decirnos cómo se aplica esto a su trabajo?

Como pintor, es importante encontrar los temas que más me apasionan y luego sumergirme en ellos. Por ejemplo, soy un pintor paisajista que vive y respira las altas montañas de San Juan de Colorado. Tengo una casa y un estudio al lado del río Río Grande con una vista de 360 ​​grados de estas montañas. Cualquier cambio de luz o humor, lo veo. Con los años veo estos temas más profundamente, conociendo las formas íntimamente. Esto me libera para expresar. Soy una persona afortunada de haber encontrado el lugar donde está mi corazón; todo lo demás se basa en eso. Cuando salgo a pintar o en el estudio, me tomo el tiempo para meditar y asimilar mi tema. Para mí no es suficiente, literalmente, pintar la escena. Quiero interpretar y pintar cómo me siento acerca de lo que veo. Puedo reorganizar la composición, exagerar el color o el halo de estas formas vivas, o aferrarme a un estado de ánimo o luz momentánea a pesar de que el día ha cambiado.

¿Qué es lo que más te atrae cuando buscas un tema potencial?

Encuentro que las mejores ideas me encuentran a mí en lugar de lo contrario. En lugar de buscar ideas, la mejor inspiración viene mientras mi mente está en neutral. Sin embargo, siempre llevo un cuaderno de bocetos en caso de que ocurra algo. Por ejemplo, mientras esquiaba en esquí de fondo a última hora de la tarde, me di cuenta de las sensaciones de luz y sombra en mi rostro mientras atravesaba una colina. Me detengo y pienso "eso es lo que necesito pintar". Vuelvo sobre mis huellas y hago algunos bocetos, tomando algunas notas que resultan en una pintura importante.

Haces un extenso dibujo y pintura en el lugar. ¿Las pinturas de su estudio generalmente se basan en su trabajo de ubicación?

La mayor parte de mi pintura de estudio se basa en experiencias de pintura y dibujo en el sitio. Las pinturas de estudio suelen ser más grandes y se centran en el color y la expresión, y en medios y composiciones de agua experimentales basadas en bocetos y acuarelas in situ.

¿Alguna vez encuentras útiles las fotos?

Más recientemente me he llevado una cámara digital. Uso la cámara si tengo las manos demasiado frías para dibujar o estoy con amigos; Luego puse la foto en la pantalla de mi computadora y hice un boceto de eso.

Sus pinturas destacan por su fuerte diseño y color. ¿Haces pequeñas composiciones preliminares y colores ásperos?

Tomo mis pinturas y bocetos en el lugar, hago estudios para reorganizar la composición y tomo algunas notas de color. Esta preparación es importante como referencia, pero una vez que comienzo una pintura, dejo que encuentre su propia vida y me encuentre absorto en el proceso. Hay veces que empiezo a pintar, luego, al parecer, momentos después está oscureciendo y al final del día. La pintura no tiene nada que ver con el tiempo, sino la energía y el amor que conlleva.

También es conocido por su desarrollo e investigación sobre el color. ¿Qué nos puedes contar sobre eso?

He tenido un interés de por vida en el color que ha llevado al desarrollo de la Rueda Quiller, dos libros y muchos videos sobre el color. Estos materiales de instrucción enfatizan cómo el pintor puede utilizar la teoría del color y la paleta. Incorporo una paleta universal de doce colores que puede capturar cualquier color, estado de ánimo, región o sujeto. Este enfoque ahora es utilizado por artistas de todo el mundo. Los conceptos y la paleta se pueden usar en cualquier medio. Cuando uso acuarela, mi paleta de 12 colores incluye:

Primarias- luz amarilla de cadmio, rosa de quinacridona y azul de ftalocianina (tono verde)

Secundarios—Cadmio rojo-naranja, violeta ultramarino y verde de ftalocianina (tono azul) o viridian

Intermedios— Naranja de cadmio, rojo de cadmio, magenta, azul ultramarino, turquesa de ftalocianina, luz verde permanente.

¿Hay algunos colores de tubo en los que confía más que otros, y alguno que evite?

Además, tengo algunos colores adicionales que son importantes porque granulan o ayudan a definir un estado de ánimo particular. Dos de mis colores más usados ​​son el violeta cobalto y el amarillo Nápoles, ambos en mi línea de firma e importados y distribuidos por la Compañía Jack Richeson. No evito intencionalmente los colores, ya que puede haber un momento y un lugar para cualquiera. Sin embargo, normalmente no uso tierra ni ningún color neutralizado. Esto se debe a que con mi sistema cualquiera de estos se puede mezclar fácilmente con la flexibilidad de tomar la nota de color más neutral o hacia un tono puro.

En algunos casos, utiliza acrílicos transparentes y acuarela transparente en la misma pintura. ¿Puede esto presentar algún problema técnico?

Como mencioné anteriormente, cada medio de agua tiene sus cualidades visuales particulares y características de manejo. Por ejemplo, puedo lavar acrílico transparente sobre un papel de acuarela rugoso. Cuando se usa de forma transparente, el acrílico secará con la misma intensidad y valor que cuando está mojado (a diferencia de la acuarela que se secará el doble de luz). Cuando se usa en estado puro, el acrílico logrará un tono hermoso, luminoso y rico. También mancha las fibras pero no sella el papel. Cuando está seco, el color no se levantará debido al aglutinante de resina de poli. Por lo tanto, en lugar de un trozo de papel de acuarela blanco, usaré un trozo de papel de tonos luminosos. Puedo volver a humedecer y aplicar acuarela granulada en la superficie y volver a levantar el acrílico tonificado. Puedo impulsar esto aún más agregando notas de gouache o caseína translúcidas y opacas para resaltar las cualidades visuales de acrílico y acuarela transparentes.

¿Qué papel prefiere: marca, prensa en frío, prensa en caliente, etc.?

Dependiendo del medio, el tema y el enfoque que estoy usando, a menudo uso estos tres soportes. Me gusta un papel de acuarela en bruto de 300 lb con un tamaño de superficie como Waterford, Lanaquarelle o Fabriano Artistico; una tabla de acuarela de prensado en frío como Crescent # 5114 o Canson; Aquabord de Ampersand. No preparo el documento de ninguna manera antes de comenzar.

¿Cuál es el mejor consejo que puede ofrecerle a un aspirante a artista de la acuarela?

He sido increíblemente afortunado de haber hecho pintar mi vida. No es una forma de ganarse la vida, sino una forma de vida. Es natural al principio de una carrera pensar "Algún día podré usar el color de una manera más expresiva, tener composiciones más fuertes o ser más hábil técnicamente". Al reflexionar, hay cosas que estaba haciendo al principio de mi carrera que no puedo hacer hoy. Y hay cosas que estoy haciendo hoy que no podría hacer entonces. Es importante darse cuenta de que cada etapa de la carrera de pintura es importante y avanza a la siguiente. Cada momento del proceso es significativo. Lo tomo con gratitud y aprecio el viaje.

Steven Quiller ha sido pintor profesional a tiempo completo desde 1972. Stephen es profesor y destacado teórico del color. Ha escrito seis libros, producido muchos DVD y ha pintado en todo el mundo. Sin embargo, es mejor conocido por sus pinturas de su querido país montañoso del sur de Colorado. Junto con sus numerosos premios y membresías, Stephen es miembro de la Sociedad Nacional de Acuarelas y miembro de la firma y miembro de Dolphin de la Sociedad Americana de Acuarelas. Para más información sobre Stephen, visitesu sitio web.

Ver el vídeo: Preview. Painting en Plein Air: Mountain View with Stephen Quiller (Diciembre 2020).