La vida del artista

Una charla con Carolyn Latanision

Una charla con Carolyn Latanision

Noveno en una serie exclusiva diaria del artista:

Maestros de la acuarela americana

¿Cómo te interesaste en la acuarela?

He trabajado toda mi vida con la acuarela, prefiriendo la libertad y lo inesperado de ella a otros medios, a pesar de que también uso aceites, acrílicos y caseína.

¿Quiénes fueron los artistas de acuarela que más te inspiraron?
Sería fácil nombrar a Sargent, pero hay muchos cuyo trabajo me gusta por diferentes razones. La técnica sola parece secundaria a la expresividad del artista individual.

¿Cómo te interesaste por los temas arquitectónicos y urbanos?

Al crecer en Bethlehem, Pensilvania, a pocas cuadras de los altos hornos masivos de Bethlehem Steel, grandes estructuras dramáticas fueron un elemento cotidiano en mi vida. Mi abuela vivía en Astoria, Queens, así que fuimos a Nueva York una semana al año y esos rascacielos, estructuras construidas con vigas en I de Belén, agregaron otra dimensión a la impresión visual en mi conciencia de la luz, los ángulos y los planos de la arquitectura. . No me di cuenta de que me atraía visualmente la arquitectura hasta que me mudé al área de Boston y descubrí Beacon Hill. Me enseñé a pintar arquitectura, primero con las puertas de Beacon Hill, y luego edificios enteros y luego calles de edificios.

Su serie de Bethlehem Steel es extensa. ¿Cómo te interesaste en Bethlehem Steel?
Cuando creces tan cerca de una operación como esa, no hay escapatoria y no hay explicación a menos que la hayas vivido. Siempre estuvo presente. Es solo una parte de ti. Una generación de hombres tras otro en mi familia perdía la vida si trabajaban en la planta en lugar de en una oficina. El ruido de las fundiciones nunca cesó, ni tampoco los olores y la suciedad. La arena negra estaría en tus pies cuando te quitaras los calcetines; se deslizaba en la casa todos los días. Después de la universidad, pensé que no podría escapar lo suficientemente rápido. Sin embargo, cuando un artículo de primera plana del Boston Globe anunció su cierre en 1995, me llamó la atención. De repente fui muy consciente de su importancia históricamente para mí, para mi familia y para el país. Pasé por la planta cuatro veces después de eso, pintando un lugar que quedó en silencio, pero que refleja su antiguo poder.

Usted ha dicho que Nueva York, otro tema favorito, tiene una energía que es única. ¿Puedes dar más detalles sobre esto?

Nueva York era tan grande y emocionante para mí cuando era niña, tal como lo es para mis nietas hoy, quería verlo todo. Esos mismos planos y ángulos que vi todos los días en Belén renacieron en los rascacielos de Nueva York. ¡Y tanta gente para mirar! Cada vez que cruzaba los puentes que cruzaban el río Lehigh, a lo largo de los cuales se construyó la planta de Belén Steel de 4.5 millas, podía ver un panorama de su poderosa actividad. Los vagones del tren, los soldadores y las brasas de las fábricas de coque de Belén, encontraron un paralelo en la avalancha de personas, metro, humo y edificios imponentes de Nueva York.

Entiendo que generalmente trabajas a partir de fotos. ¿Qué consejo puede ofrecer sobre fotos y referencia?

Cuando hago mi trabajo más detallado, trabajo a partir de fotos en lugar de bocetos realizados en el lugar. Siempre compongo a través de la lente, pensando en la forma en que debería estar compuesta como una pintura si decidiera pintarla. Con la fotografía digital, descubro que no soy tan cuidadoso como lo era con la película, pero me permite tomar varias fotos y más detalles. Es como hacer miniaturas. También me permite tomar muchas fotos de personas en un área en particular y luego puedo elegir y reorganizar. Y he aprendido a editar, editar, editar.

¿Sueles trabajar con varias fotos?
A menudo imprimo varias fotos antes de comenzar mi dibujo.

¿Sueles hacer un dibujo detallado antes de pintar?

No hago un dibujo detallado normalmente, porque puedo visualizar hacia dónde me dirijo. Primero y más importante es ver la composición como un todo abstracto: las formas y los valores. Después de cuadricular mi papel, dibujo las áreas más críticas y luego comienzo a pintar, deteniéndome para completar los detalles a medida que avanzo según sea necesario. Tengo una gran impaciencia para comenzar a pintar.

¿Haces algún otro trabajo preliminar?

Ya sea que esté trabajando desde la vida o desde fotos, establezco mi paleta de antemano para cada pintura. Me encanta el color y uso muchos, pero primero reduzco mi paleta para una pintura experimentando con lavados y esmaltes: qué color se reduce primero sobre un color seco, o debería ser al revés; qué colores deben combinarse húmedo sobre húmedo, y así sucesivamente. Para muchas áreas, me inclino a mezclar menos y aplicar más capas, pero esa decisión se produce solo después de la experimentación.

Entiendo que trabajas usando un método de acristalamiento, construyendo el color y los detalles. ¿Es eso correcto?

Por lo general, con capas / acristalamiento, trato de usar no más de dos colores para no quedar "embarrado". Sin embargo, cuando mezcle, en lugar de glaseado, a veces usaré tres colores. Dicho esto, normalmente uso muy pocos colores pigmentados y, por lo tanto, hay menos posibilidades de que se produzca opacidad. A veces pongo un color y lo dejo secar sabiendo que tomaré una esponja y la limpiaré suavemente nuevamente para dejar un velo suave de color en el papel que pueda volver a trabajar. A veces comenzaré con un esmalte de gouache acrílico en una gran área para poder trabajar sobre él nuevamente sin moverme por debajo. Por lo general, tengo que volver a aplicar valores oscuros y colores brillantes en una pintura detallada una vez que la aplicación original está completamente seca. Un ejemplo de color oscuro, pero brillante, es una manzana roja oscura. Solo usando un color lo hace demasiado plano. Primero usaré un rojo brillante para una aplicación inicial. Cuando está seco, lo cubro con un lavado rojo oscuro. Al hacerlo, el color alcanza una profundidad hermosa.

¿Tiene algunos colores en los que confía una y otra vez, y otros que intenta evitar?

Como se mencionó, utilizo muchos más colores de tinción que los colores pigmentados. Utilizo una larga paleta de metal con mis colores más usados ​​más cercanos a mí en orden "arcoiris". Los colores que uso con más frecuencia han cambiado con el tiempo y continúan haciéndolo. Por ejemplo, una vez usé bastante gris de Payne. Se ha reemplazado con un tono neutro para neutralizar algunos colores. Todavía uso Ultramarine Blue, pero no si quiero evitar la granulación. Otras veces lo uso especialmente para esa propiedad. El azul de ftalocianina es un tinte y técnicamente no debería moverse mucho, ¡pero lo hace! Lo evito para los cielos, ya que puede volverse irregular.

¿Qué papel prefiere: marca, prensa en frío, prensa en caliente, etc.?

Con mayor frecuencia utilizo papel Saunders Waterford Cold Press de 300 lb. o Twin Rocker, un papel hecho a mano en un solo peso. Me gusta el papel rugoso, particularmente Arches, pero no lo uso para mi trabajo más detallado. Sin embargo, lo disfruto para los temas de naturaleza al aire libre.

¿Prepara su papel de alguna manera: humedeciéndolo, estirándolo, etc.?

He intentado todo tipo de formas de preparar mi papel, pero finalmente descubrí que tenía mucha más flexibilidad de movimiento para dejarlo en mi tablero de dibujo. Por lo general, no hay suficiente pandeo para obstaculizarme. Si lo necesito, lo giro boca abajo, mojo la espalda con una esponja y lo aplico con mi mesa de dibujo y pesas adicionales durante un rato. Me vuelve totalmente plano y en camino. Al dejar el papel suelto, puedo girarlo fácilmente mientras trabajo, a veces incluso al revés, sin tener que mover todo el tablero sobre el que se asienta. Por poco convencional que parezca, me he dado cuenta de que la mayoría de las personas en mis clases también lo hacen ahora, aunque nunca les he pedido que lo hagan.

Has estado enseñando por algún tiempo. ¿Le ha resultado de ayuda en su propio trabajo?
Si y no. Me gusta mucho estar solo, ¡así que estar con mis clases es un descanso realmente agradable de mí mismo! Me gusta su entusiasmo y, a veces, su propia ética de trabajo me saca de mi sentimiento de pereza. En otras formas, debido a que tengo que desglosar todo para responder a sus preguntas, me detiene un poco. Disfruto de la espontaneidad de la acuarela (sí, incluso con trabajos detallados), pero a veces empiezo a pensar demasiado técnicamente porque mi mente todavía está atrapada en el modo de preguntas y respuestas.

¿Cuál es el mejor consejo que puede ofrecerle a un aspirante a artista de la acuarela?

Acabo de leer una cita atribuida a Katherine Johnson, la matemática de la NASA que jugó un papel clave en el envío del Apolo 11 a la luna y de regreso. Ella dijo: "En matemáticas, tienes razón o estás equivocado". Me llamó la atención porque en el arte NO hay lo correcto o lo incorrecto. Simplemente sigue pintando y no trates de emular el trabajo de otro pintor. Finalmente, su trabajo se verá como su trabajo y habrá aprendido muchas cosas en el camino para que su trabajo sea único. La técnica, naturalmente, comenzará a encajar en su lugar. Como les digo a mis alumnos, la acuarela es mucho aprendizaje negativo. Solo recuerda divertirte haciéndolo. Es solo papel.

Carolina Latanision Es originario de Belén, Pensilvania, y ahora vive y trabaja en Massachusetts. Ella trabaja principalmente en medios acuáticos, explorando sus desafíos y posibilidades únicas. Carolyn es miembro de la National Water Society Society, New England Watercolour Society, Pennsylvania Water Society, Catharine Lorillard Wolfe Art Club en Nueva York, Hudson Valley Art Association, Philadelphia Water Color Society, Rocky Mountain Water Media y Whiskey Painters of America. En el área de Boston, ella es designada Maestra de Copley en la Sociedad de Arte de Copley. Sus pinturas se encuentran en muchas colecciones públicas y privadas. Para obtener más información, visite el sitio web de Carolyn.

Ver el vídeo: Choices that can Change your Life. Caroline Myss. TEDxFindhornSalon (Diciembre 2020).