Técnicas y consejos

Dibujar es el corazón

Dibujar es el corazón

Dibujar es el corazón
El dibujo es la base de la autoexpresión. Aprender a dibujar es la forma más lenta pero segura de lograr el dominio en tu pintura.

Por Juliette Aristides

El dibujo es el corazón y el alma del arte. En los años sesenta, setenta y ochenta, a raíz del expresionismo abstracto, el neoexpresionismo y la moda del arte de ensamblaje e instalación, el dibujo casi desapareció del plan de estudios de la mayoría de las escuelas de arte. El dibujo parecía innecesario, casi anticuado. Incluso antes de eso, ya en 1924, aprender a dibujar se consideraba secundario a aprender a pintar, como es evidente en esta observación de Harold Speed: “Dibujar, aunque es lo primero (en importancia), también es lo último que suele pintar un pintor estudios. Hay más en él (dibujo) que se puede enseñar y que compensa la aplicación constante de esfuerzo "(de La práctica y la ciencia del dibujo, reimpreso por Dover en 1980).

El color es inmediatamente fascinante, sí, pero la forma deleita tanto la mente como la vista. ¿Por qué es tan importante dibujar, sin importar el tema? Piense en un retrato donde los ojos están desalineados o en un paisaje donde la perspectiva es torcida. Cualquier impacto emocional que la pintura hubiera tenido de otro modo es borrado por una falla técnica. Speed ​​creía que se podía aprender a dibujar, y yo, como maestro de artistas, atestiguo esa verdad. Cualquiera puede aprender a dibujar pero, como tocar el piano, no sucederá de la noche a la mañana y no sucederá sin práctica. Algunos artistas comienzan con una instalación, porque han estado dibujando desde que eran niños. En mi taller, veo ese tipo de estudiante y veo al otro tipo, los que carecen de habilidades pero están decididos a intentarlo. El segundo grupo obtiene grandes ganancias, mientras que los del primer grupo rara vez toman los riesgos necesarios para tener éxito. Los que tienen la disciplina para perseverar se convierten en dibujantes entrenados, capaces de dominar las técnicas de cualquier medio.

La tradicion academica

Actualmente enseño mi propia clase de taller en la Academia de Bellas Artes de Seattle. El plan de estudios que he ideado es riguroso, de acuerdo con la tradición académica que comenzó en los talleres de artistas del Renacimiento y floreció durante los siglos XVIII y XIX, especialmente en la École des Beaux Arts y la Académie Julian. Los siglos anteriores entendieron que el artista necesitaba ser entrenado a fondo como dibujante antes de pasar a la pintura; a menudo una década de estudiar dibujo no se consideraba excesiva. También se aceptó que las habilidades de un artista debían perfeccionarse antes de que intentara abordar el gran tema de la forma humana. Solo después de que el artista haya demostrado su habilidad para pintar moldes de figuras y arreglos de naturaleza muerta, podría comenzar a expresar la vitalidad y nobleza de la figura. Pintar la forma humana requiere que el artista no solo logre una semejanza sino que también sugiera, con profundidad, sensibilidad e integridad, lo que yace más allá de la apariencia: el alma.

La habilidad mejora la autoexpresión

A los artistas principiantes de hoy se les ha dicho que la habilidad misma inhibe la autoexpresión. Por el contrario, creo que aprender el oficio del artista te permite expresar tu propia visión. Las habilidades tradicionales son la base sobre la que usted, el artista, trabaja. Es la artesanía, no la falta de ella, esa es la base de la autoexpresión. Por el contrario, ser creativo sin conocimiento de la artesanía es como tratar de decorar un edificio estructuralmente defectuoso. No tiene sentido

Considero que mi enseñanza está transmitiendo una herencia artística que de otro modo se perdería. Cuando enseño, trato de transmitir la información que un artista necesita de una manera que sea comprensible. Las complejas tareas de dibujar y pintar se vuelven más manejables cuando se dividen en partes.

Dibujar es un proceso de simplificación

No hay nada más importante que dibujar. El proceso de simplificación, el acto de diseñar, cae dentro del dominio del dibujo. Todo, cada aspecto del arte, es decir, proporción, valor y forma, pero el color cae dentro del dominio del dibujo. Si el artista se capacita primero como dibujante, es libre de concentrarse en el color en lugar de preocuparse por obtener o no las proporciones correctas.

Una de las paradojas de aprender a dibujar es que la fase inicial exige que sacrifiques los detalles a favor del diseño y el gesto, mientras que la fase final requiere que cada área del cuerpo se represente o el trabajo se verá genérico y plano. Aprender a dibujar lleva tiempo; requiere que dibujes de la vida todos los días. En mi taller, los estudiantes comienzan enfocándose en dibujar; los estudiantes más avanzados pasan a la pintura monocromática y luego totalmente cromática. Los estudiantes dibujan moldes de yeso, la modelo desnuda y configuraciones de bodegones; También copian obras maestras. Los proyectos se vuelven cada vez más complejos a medida que crecen sus habilidades, junto con la confianza en esas habilidades.

Cómo pasar del dibujo a la pintura

Hay tantas maneras de comenzar una pintura como temperamentos. Me resulta útil dividir el proceso de pintura en sus diferentes componentes: composición, dibujo, valor y color, generalmente trabajados en ese orden. La base es un diseño fuerte; un diseño fuerte tendrá impacto desde el otro lado de la habitación. El siguiente componente más importante es el dibujo. Mi objetivo es que el dibujo sea preciso y bien concebido. Luego, trabajo en unificar los valores para que las áreas oscuras proporcionen un contexto para las luces. Por último, me concentro en el color, tanto en el color local como en la forma en que la luz afecta ese color local.

Trabajando en etapas: la artesanía de un artista

Normalmente paso varios días trabajando en la composición. Luego dibujo directamente sobre el lienzo. Refino el dibujo con tinta china aguada permanente (para que la siguiente capa de pintura no elimine la línea), aplicada con un pincel fino. Luego hago una pintura base monocromática que establece los valores. Para esto, a menudo utilizo el número crudo mezclado con trementina; Esta mezcla puede cubrir completamente la superficie del lienzo, pero las líneas de tinta seguirán siendo visibles debajo. Apago las luces con un trapo de algodón.

Trabajo siempre de general a específico. Comienzo con las relaciones más amplias en línea, valor y color antes de centrarme en las relaciones más pequeñas dentro de cada objeto o dentro de cada parte. Usando un pincel grande, bloqueo las relaciones generales de color. La mayoría de los bordes se pierden; Me preocupa vincular objetos.

En este punto, miro nuevamente el dibujo. ¿Se lee bien desde la distancia? ¿Hay una parte subordinada de la pintura que está recibiendo demasiada atención? ¿Un borde necesita retroceder o avanzar? A menudo hago una lista y consulto la lista a medida que hago cambios.

Centrándose finalmente en el color

Ahora me enfocaré en una parte de la pintura a la vez y llevaré cada área a un estado terminado. Intento mantener las formas de sombra unificadas y simples; Hago esto al no permitir demasiada variación de valor dentro de las sombras. Luego concentro mis esfuerzos en los medios tonos entre el núcleo de la sombra y las luces. Si percibo un color, lo pongo, no se trata tanto de ver el color como de captarlo por el rabillo del ojo. Confío en que se verá bien en el contexto. En lugar de usar cualquier color para un área completa, busco relaciones de colores. El color en la naturaleza es tremendamente variado, altamente complejo y asombrosamente hermoso. Mientras el dibujo y el rango de valores sean fuertes, el color puede ser una cuestión de opinión. El espectador retendrá el juicio sobre lo que parece plausible a favor de lo que crea el artista.

Luz en la oscuridad

Desde el principio supe que quería ser artista. Crecí en Reading, Pennsylvania, un pueblo bastante pequeño. Mis padres habían emigrado de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, donde nací. Mi padre era médico y mi madre, cuando era joven, se quedaba en casa. Teníamos muchos libros, sobre todo una colección de 50 o 60 monografías sobre maestros pintores. Mi familia también viajó bastante, así que vi mucho arte y de hecho copié muchas obras. Era un gran admirador de Rembrandt.

Cuando era adolescente ponía la alarma a las 2 a.m. para poder estar solo y caminar en la oscuridad. Había leído mucha filosofía y pensé que era importante comunicarse con la naturaleza, especialmente en el momento en que todo el mundo parecía dormido. Es sorprendente lo mucho que pude ver; Entonces hice muchos bocetos. Cuando tienes esa edad, la vida es tan nueva y estás tan vivo. Es como si estuvieras viendo cosas por primera vez, como si todo estuviera en llamas.

Creo que los artistas hacen un uso continuo de esa intensidad juvenil. A medida que he madurado como artista, mi trabajo parece estar cada vez más relacionado con la revelación. Veo la pintura como un acto de iluminación, de trabajar a través de la oscuridad hacia la luz. La luz es una gran reveladora de cosas. Tenía una maestra, Myron Barnstone, que una vez me dijo: “La tumba es para la oscuridad. Las telarañas son para la tumba. Cuando estés vivo deberías estar celebrando la luz ". Esa declaración me ha resonado. Me parece fascinante que haya en la vida estos momentos cuando te das cuenta de que algo importante está sucediendo; que una experiencia nunca será reproducida; que se desvanecerá y se olvidará, nunca será reclamado, a menos que lo pintes. Tener la habilidad y haber alcanzado la habilidad de pintar ese tipo de momento, registrar ese tipo de revelación, es increíblemente maravilloso.

Aspectos de artesanía
Consejos del taller

1. Dibuje de moldes de yeso de estatuas antiguas.

2. Copiar dibujos maestros. Esta práctica le dará la oportunidad de estudiar cómo los maestros transformaron la naturaleza, con todas sus variaciones, abundancia y detalles, en línea.

3. Piensa como un diseñador. La mayor imitación no es el mejor arte. Cuando dibujes de la vida, busca lo que quieres decir y enfatiza el carácter dominante de la pose de la modelo.

4. Trabajar de lo general a lo específico. Es fácil sentirse abrumado por la complejidad que se encuentra en la naturaleza y se necesita experiencia para comenzar a clasificar lo que es relevante de lo innecesario.

• Entrecierra los ojos mientras mira a su sujeto.

• Mire a través de vidrio coloreado o acetato coloreado para ayudarlo a ver la línea.

• Antes de comenzar a pintar, condense toda la información en un pequeño boceto, por ejemplo, 3 × 4 pulgadas. Si el bosquejo se lee bien desde el otro lado de la habitación, estás listo para comenzar a pintar.


Sobre el artista

"La gente tiene la impresión de que tener hijos limitará sus vidas o encerrará su mundo, pero después de tener a mi hija y a mi hijo me di cuenta de que mi mundo estaba cerrado antes", dice Juliette Aristides, quien ganó el Premio Wilder de Dibujo de la Academia Nacional de Diseño en la ciudad de Nueva York en 1995. Estudió con Jacob Collins en el famoso Water Street Atelier; ella ahora tiene su propio taller. Su sitio web es www.aristidesarts.com.

Para más de las enseñanzas de Aristides sobre dibujo, verla Lecciones de dibujo clásicoy Taller de dibujo clásico haciendo clic en los títulos de los libros.


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